En 1947, Saul Leiter se procure un Leica et flâne dans les rues de New York, qu’il photographie dans un premier temps en noir et blanc. En 1948, il se tourne vers la couleur. Il alternera désormais entre les deux supports. En 1957, Edward Steichen, alors conservateur en chef de la photographie au MoMA, intègre une vingtaine de ses images couleur pour sa conférence «Experimental Photography in Color». Mais ses images tirées en couleur ne sont redécouvertes qu'à partir de la fin des années 1990.

Dans ses photographies, les tons colorés, à la fois vifs et déteints, associés à l’absence de contours stricts et au flou de certains éléments, rappellent la composition des tableaux de Bonnard ou Vuillard, qu’il admire. Saul Leiter saisit dans les rues new-yorkaises, vibrantes de vie et de couleurs, un entre-deux-mondes délicat à mille lieux de la jungle urbaine qui lui servait de sujet. C'est un monde flottant, embué, mis en abîme par les reflets et des imbrications multiples de surfaces en écran, qui métamorphose la réalité en un univers à la fois poétique, onirique et apaisant, sur lequel plane la douceur de la mélancolie. La couleur s'immisce dans le cadre, expressive et discrète, pour organiser toute la composition, comme cette touche picturale jaune faisant presque fondre la buée de la vitre et auréolant le passant fugitif.

Tout en continuant à utiliser des techniques argentiques tout à fait singulières, Guillaume Zuili documente son obsession du mythe américain. Avec la série L.A. Chromos, il traite les icônes américaines que sont la Ford 58, Elvis, le sigle Coca-Cola… Chaque tirage subit un traitement chromoskedasic, qui permet en virage vers l'orangé ou le doré en quelques minutes et qui fait de chaque image une pièce unique.

Il affine en parallèle son empreinte photographique, allant vers l’abstraction du grain dans les séries Smoke and Mirrors et San Pedro.

Plus récemment, avec Urban Jungle, puis lors de sa résidence dans le Perche ou à Corbeil-Essonnes, il combine l’usage de la chambre photographique et du mythique révélateur Lith, créant des images à l’esthétisme hors du temps, avec une teinte chaude et dorée. (site de la galerie Clémentine de la Ferronnière)

(site de l'artiste)

La série d'Antonio Pulgarin, Fragments of the Masculine, utilise la photographie et le collage pour créer des images qui remettent en question la culture masculine au sein de la communauté latino-américaine. Il utilise une archive familiale : des images de jeunesse de son oncle, y compris son temps passé dans l'armée colombienne, et des polaroids de son père lors de son séjour en prison. Adolescent, ce n'est qu'à travers ces photographies que Pulgarin a pu établir un lien avec ces deux hommes, reliant la représentation de l'armée et du système pénitentiaire aux idées de masculinité. À travers cette série, Pulgarin cherche à remettre en question la construction du machisme, tout en recontextualisant sa propre identité. Chaque image de cette série présente une version déconstruite des images d'archives originales telles qu'il les interprète, incorporant des matériaux et des couleurs comme ce motif doré et fleuri.

Charles Thiefaine est photoreporter et a parcouru les zones de conflits partout dans le monde, notamment en Turquie. "Je me suis intéressé, dans cette série, aux postures ambivalentes qu’adoptent les jeunes de Tahrir face à toute cette violence. On y voit de la joie, de la peur, de la camaraderie, de l’excitation ou encore de la tristesse. Chaque corps semble se prémunir du danger à sa façon. Certains l’affrontent. D’autres s’en moquent. Tous se dressent face aux risques que présente la quête d’un avenir meilleur. Ces corps et ces émotions laissent entrevoir le temps qui passe. Ils racontent les premiers instants d’une révolte jusqu’au lendemain qui déchante. Ils traversent le calme de l’aurore, les chaudes après-midi et les journées qui s’éteignent. "

Le portrait de ce manifestant résume l'ambivalence de la situation, à la fois dangereuse et joyeuse, entre le combat et le rassemblement, entre la cagoule noire et le tee-shirt "Yellowfox", dont le nom seul semble irradié au centre du portrait en ciblant la poitrine.

Sarah Moon est une photographe qui connaît bien le monde de la mode pour y avoir débuté en tant que mannequin. Elle a par la suite dirigé de nombreuses prises de vue pour les grands couturiers, et réalisé des travaux plus personnels, avec une esthétique identique, privilégiant les effets vaporeux du flou, les couleurs vives ou le noir et blanc profond, le tirage au charbon.

"J’ai toujours représenté les femmes plutôt backstage, en coulisses. Ce qui me plaît, c’est le personnage que la robe incarne. Le vêtement offre un rôle à la femme qui le porte, comme un costume. C’est ça que j’essaye de trouver dans la mode." (Polka Magazine, 2020). Dans cette image, la photographe fait le portrait d'une robe noire sur fond jaune. En libérant le mannequin de la pause traditionnelle sur papier glacé, elle lui donne une présence plus solaire et vibrante. Avec la photographie de mode, le modèle devient alors une héroïne.

Documentant l’identité visuelle de l’espace public ukrainien, Viacheslav Poliakov s’intéresse à la manière dont cet espace spécifique fait face à la mondialisation depuis la chute de l’Union soviétique. Les objets qui composent cet espace public sont créés par le hasard des rencontres. En définitif, tout résulte de la volonté divine, "God’s will", comme le clame le titre de la série.

Aucun des éléments photographiés n’a été modifié par l'artiste, qui s'est contenté d'effacer le décor et d'isoler ces objets du chaos qui les entoure habituellement. Dans cette image, la tenue arborée aux couleurs du drapeau Ukrainien et amplifiée par le fond jaune, est une représentation joyeuse et naïve du pays. Mais la guerre avec la Russie depuis février 2022 modifie notre perception et les couleurs se font l'étendard d'une identité patriotique forte.

La série Awful Pretty Pipe Neck repose sur le concept de catachrèse, qui permet de juxtaposer deux images contradictoires. Les objets choisis pour être photographiés, comme ce tas de neige sur un trottoir, associé arbitrairement à un fond coloré de studio racontent une autre histoire, se déplacent dans un autre monde que le réel pour investir le monde imaginaire du spectateur. La couleur jaune marque bien la frontière entre le monde réel et l'imaginaire créatif, entre le laid et le beau. Elle opère une découpe plastique, en nimbant le tas disgracieux d'un fond doré, à l'image des icônes, pour le transformer en matériau précieux digne d'être regardé. L'objet perd sa fonction initiale et la photographie montre qu'elle est bien plus qu'un simple enregistrement de la réalité.

"Étienne Francey est un photographe suisse. Son travail artistique est intimement lié à la nature. Dans une recherche constante d’une transformation de la réalité et du monde sauvage, il utilise divers artifices pour déformer, colorer, éclairer, réfracter… et se rapprocher parfois de la peinture ou de l’abstrait." (site de l'artiste).

Ce cliché de plage rappelle la tradition de la marine et convoque l'aquarelle dans le travail de composition et de vibration de la lumière et de la couleur dorée. L'oiseau et le rocher qui affleure à la surface d'une eau lisse semblent réduits à des formes plastiques. C'est la couleur omniprésente, où tout est ton sur ton, qui transforme la prise de vue en image-tableau. Le jaune doré restitue toute la vibration du jour. La photographie est bien dans son acception littérale (et littorale) cette "écriture de la lumière" que son nom suggère.