Lorsqu’un individu se regarde dans un miroir, il s’observe deux nanosecondes plus jeune, soit le temps que prend la lumière pour parcourir la distance entre le miroir et l’œil. Mais que se passerait-il si la vitesse de la lumière diminuait ? Le stréphochronoscope, appareil optique interactif d’un nouveau genre, joue avec les propriétés du miroir. Soulevant la question de la perception du temps, l’installation invite à se placer face à une glace « cristal » sur laquelle les ondes stroboscopiques font ressurgir les reflets virtuels du passé. Il suffit que les spectateur·ices actionnent le phénakistiscope – jouet optique placé sur un axe rotatif – pour animer le miroir. Au fil du temps, les fantômes des participant·es précédent·es s’impriment sur la surface miroitante. L'effet chronophotographique rappelle les travaux scientifiques d’Étienne-Jules Marey sur la décomposition du mouvement. Cette technique révèle des images spectrales d’un passé à peine passé et encore contemporain du présent de l’action. Ainsi, Le Stréphochronoscope conjugue l’aspect ludique des attractions foraines avec une réflexion plus philosophique sur le temps par la perception.

Remarque : le nom de l'instrument est un néologisme formé du grec stréphô « tourner », chronos « temps » et skopein « examiner ».

Fascinés par les mécanismes et les conséquences de la reproduction photographique, certains artistes ont placé cette notion au cœur même de leurs œuvres. La reproduction devient alors le sujet de l’œuvre. Au moyen de dispositifs divers, ces artistes contestent, chacun à leur manière, l’apparente simplicité de cette action de reproduction. Conscients des enjeux liés à la multiplication des représentations visuelles – renforcée depuis l’avènement du numérique – , ils dévoilent les utopies comme les dysfonctionnements des processus de répétition et de copie.

Dans cette image, Sara Cwynar reprend une image en noir et blanc et propose une version modifiée en conservant les traces irisées et glitch de la copie et de ses accidents d'enregistrement.

- Voir l'exposition "L'Image et son double" au Centre Pompidou (2021) : https://www.centrepompidou.fr/fr/programme/agenda/evenement/aDd81vh

La Villa Argentina raconte la solitude à deux de l'artiste avec sa mère dans un univers domestique poétisé par la mise en scène d'un décor photographique.

Dans ce portrait domestique, l'artiste iranienne rejoue le modèle pictural de l'Odalisque en convoquant les trois couleurs primaires. Le nu est ainsi mis à distance et questionne la représentation féminine et orientaliste dans l'histoire de l'art.

Le peintre Gerhard Richter a souvent utilisé la photographie comme sujet de sa peinture : il soumet une photographie quelconque, projetée, à l'exercice de la toile pour se libérer de toute forme d'interprétation du motif et ne se consacrer qu’à l'acte de peindre. Il utilise également le support photographique, de petits formats, pour brouiller les frontières entre les deux régimes d'images, en ajoutant de la peinture, selon les techniques appliquées aux toiles monumentales. Ces aplats de couleurs mêlées par couches, s'effaçant parfois, donne aux prises de vues représentant souvent des paysages, les dimensions d'une peinture. L'artiste retrouve alors dans le geste pictural une forme de subjectivité qui vient réinterpréter l'image photographique.

"À la fin du XVIIIe siècle, un typhon catastrophique a balayé Pingelap, un petit atoll de l’océan Pacifique. L'un des survivants, le roi, portait le gène de l'achromatopsie qui provoque un daltonisme complet. Le roi eut de nombreux enfants et, au fil du temps, la maladie héréditaire affecta la communauté isolée et la plupart des insulaires commencèrent à voir le monde en noir et blanc. L'achromatopsie se caractérise par une extrême sensibilité à la lumière, une mauvaise vision et une incapacité totale à distinguer les couleurs. [...] La couleur n'est qu'un mot pour ceux qui ne peuvent pas la voir. Si les daltoniens peignaient avec leur esprit, comment coloreraient-ils le monde, les arbres et eux-mêmes ?" (propos de l'artiste).

En produisant des photo-peintures, l'artiste tentent de retranscrire avec l'aide des iliens la manière dont ils perçoivent et ressentent le monde.

Anouck Durand travaille les liens entre photographie et narration. Elle construit des romans photo à partir d’images existantes. Dans cette série, elle reconstruit l'album d'une famille et sa principale photographe, Christiane, en réunissant des diapositives prises entre 1965 et 1983.